香港電影“盡皆過火，盡是癲狂”。
曾經屬於香港電影光怪陸離的時代，隨著一陣嗚咽結束了。
可是港風卻留了下來，而且很多年輕人對此念念不忘，其實不是年輕人對港風念念不忘，而是對港味念念不忘。
港味是什麼？港味就是功利主義。
觀眾喜歡看什麼就拍什麼，而且加倍給，甚至超級加倍。
簡單來說，就是把觀眾當上帝，是那種正兒八經的上帝，掏心掏肺的尊重，賺實在錢兒。
1986年《英雄本色》火了，套用武俠浪漫主義的現代黑幫英雄片題材隨之得道昇天。
既然觀眾喜歡看，那就召集原班人馬立馬開拍第二部，小馬哥、宋子豪、宋子傑再次在一年之後重聚大銀幕。
即使小馬哥在第一部已經死了，編劇也能讓他活過來，重新披風衣、重新叼火柴、重新點美鈔。
如果觀眾還是喜歡看呢？那就繼續拍。
就算導演吳宇森撂挑子了，監製徐克也可以接班上任。
就算沒有張國榮、狄龍，徐克也可以找來梅豔芳和梁家輝，還有觀眾最愛的周潤發。
1985年《殭屍先生》火了。
一時間，香港大大小小的山上都是殭屍，五年內，有上百部殭屍題材的電影出現。
觀眾看得眼花繚亂，型別都是千篇一律，時間長了就容易厭煩，因為殭屍片跳脫不了紙筆墨刀劍、手眼身法步的框架。
既然觀眾反感了，那就盡心去改，而且還是從林正英做起。
《靈幻先生》加入人、妖、鬼的恩怨，鬼分好鬼和壞鬼，還獨創了油炸鬼；《一眉道長》中中國法術對抗西洋殭屍，還有可愛調皮的小殭屍；
《驅魔警察》用警匪片的外衣套一個殭屍片的核心，《殭屍至尊》以陰謀內鬥引發怪力亂神的詭異故事。
《非洲和尚》把場景放在國外，殭屍更是成了驅逐入侵者的領導者之一。
這個把殭屍加入“政”斗的概念，比韓劇《王國/李屍朝鮮》早了幾十年，所以韓國的影視行業拾了很多香港電影的牙慧。
《音樂殭屍》引入變異元素，林正英還在片中秀了一大段殭屍語，與之前《殭屍至尊》中的鬼言鬼語不同，特有趣味。
《新殭屍先生》中甚至還加了林正英的兩段感情戲，以及極具唯美質感的紅白相撞。
直至最後林正英徹底沒創意了，觀眾也啥要求了，殭屍片才漸漸消失在人們的視野中。
1989年《賭神》火了，從此香港電影進入了賭片氾濫的年代。
觀眾愛上了手法絕妙的賭術，《賭俠》、《賭聖》、《賭霸》，以及各種花樣新奇的賭片，都不用觀眾催著創新，導演就已經主動層出不窮。
就連成龍、周星馳、李連杰也免不了迎合觀眾的喜好。
《警察故事》系列、《A計劃》系列、《鹿鼎記》系列、《逃學威龍》系列、《黃飛鴻》系列，一直拍到觀眾不喜歡。
在文藝片領域內，香港電影也沒忘了港味。
王家衛的《阿飛正傳》、《重慶森林》、《東邪西毒》、《花樣年華》、《春光乍洩》等片。
劇情分裂、沒有主線，東一榔頭西一棒，但也有張國榮、劉德華、張曼玉、林青霞這些人氣極高的演員。
香港電影中最深諳此道的是王晶。
而香港電影大多數都是王晶，只有極少數導演逆著觀眾來。
如牟敦芾執導的《打蛇》，可即便如此，《打蛇》中依舊包含了獵奇、性愛等cult片必備的吸睛點。
如戳中港人痛處的《籠民》，可這麼現實的電影，裡面還有深受年輕人追捧的黃家駒作為主演。
即使是風月片，香港電影也是創新不斷。
葉子楣、葉玉卿、翁虹、李麗珍，每個人都代表不同的風月片型別，而且每個人都既有臉蛋又有身材。
而現在的電影、電視劇呢？根本沒有把觀眾當回事，資本想怎麼來就怎麼來。
如天下苦於正、郭敬明久矣，這種人一天不消失，娛樂圈就會是烏煙瘴氣，因為他們製造了畸形的規則。
他們的規則讓爛片有高票房、爛劇能出高收視、爛演技擁有高曝光、抄襲怪炒作可洗白，讓觀眾被迫戴上了面具，看不清現實。
可即便觀眾早已對他們口誅筆伐，但打垮他們卻不是普通觀眾，而是有地位的111名編劇、導演、作家、製片人。
更甚者是2013年《富春山居圖》開啟了爛片營銷的紀元，隨之而來的2014年是流量時代的紀元。
他們聯手炮製了一部部爛片與爛劇，《擇天記》、《盜墓筆記》、《三生三世十里桃花》，爛得各有千秋又高度統一。
如果沒有圈內人士的抵制，如果沒有有關部門的介入，如果沒有《戰狼2》的橫空出世，普通觀眾也許還會被荼毒多年。
即使是重新煥發生機的主旋律也有這個問題。
管虎的《八佰》明褒暗諷，以排隊跳樓的離譜送死方式膈應人，到了《金剛川》仍然用春秋筆法，不知悔改。
觀眾發現了這個問題，管虎也由之前的好口碑變成了如今的人人喊打，然而這些反噬的音量都被晃到了太空中，沒有撞到地上。
這樣的例子比比皆是，這就是我們為什麼懷念港風的原因。
因為他們把觀眾當人，可那些影視劇連觀眾的智商都不尊重，強行給觀眾喂翔，還讓觀眾說美味。
如果他們還不做出改變，別說現在的很多年輕人，有可能他們的下一代也會懷念港風。
所以與其說年輕人忘不了港風，還不如說年輕人希望被當作正常人看待，而港風代表了尊重，即使港片中也有很多爛片。
