人類藝術幾乎與人類文明共生，數萬年前的巖畫上，那些抽象符號標誌著我們跨越了矇昧。而後，藝術經歷了不斷地迭代。故宮飽滿的紅牆金瓦、文藝復興美術的色彩協調、埃及豔后的濃烈黑金色對比、敦煌九色鹿的大膽誇張及意象美……
有些藝術風格經過歷史的沉澱，依舊活躍於我們的生活中，甚至融入其中，成為構成我們現代生活的基本元素。是什麼樣的時代，孵化了這些色彩和風格，這些設計的背後，又有著怎樣的歷史故事呢？想了解這些，就要回溯時光、穿越千年，與藝術大師們同行，走上這一趟關於美的“文明奇旅”。
從萬年前的西班牙巖畫到現當代的抽象藝術
人類的藝術彷彿繞了個圈，背後則是共通的人類對美的感官
（圖：wikipedia）▼
埃及色的象徵意義
研究古代藝術，古埃及是永遠繞不開的時代。它是人類最早的文明古國，對於古埃及文明的歷史悠久，許多人沒有概念。我們可以舉這樣一個例子，現代人距離商紂王有多久，商紂王就離埃及前王朝時期有多久；我們看秦始皇，就相當於秦始皇看因提夫法老。
因提夫一世時期的葬禮石碑，約公元前21世紀
秦始皇看他，確實相當於我們看秦始皇▼
就如同古埃及本身一樣，它的藝術風格，也具有濃厚的神秘主義色彩。在古埃及，畫師工匠並不能隨意使用顏色，也很少使用複色。因為在那時人們的信仰中，每一種顏色都有其代表的寓意。不同的場合、身份、用途都有對應的顏色，不能出錯。
不同階級、不同場景自有其不同的用法
（圖：shutterstock）▼
其中，地位最高的，就是金色。對於金色的尊崇來自於古埃及人對太陽的崇拜，在他們看來，晝夜升降的太陽具有永恆和重生的力量。
頭頂太陽的這位就是第一主神太陽神“拉”
（圖：wikipedia）▼
古埃及人認為，大自然中的金礦與太陽是同質的，所以古埃及的藝術品中大量使用黃金，如金面具、金首飾、金戰車……等等。我們熟悉的金字塔，它最初也不是我們現在看上去土黃色的樣子。而是通體潔白，頂端有著一塊覆蓋著金子的黑色大理石雕刻而成的壓頂石，在陽光照射下金光閃閃、熠熠生輝。
如今絕大部分白色外表都已不復存在
最頂上的尖尖很多是被歐洲人拿走了
（圖中頂端立著一個小小的替代支架，圖：壹圖網）▼
對於永生、復活的渴望，還體現在另一個著名的古埃及象徵物上，那就是木乃伊。古埃及人將死去的法老等地位尊貴的人制成木乃伊，以便其在另一個世界可以轉生成神。文藝復興之後的歐洲人對於古埃及文化有著濃厚的興趣，他們花重金在埃及購買木乃伊，然後研磨成粉，做藥材、做顏料，這就是油畫顏料“木乃伊棕”的來源。
歐洲人口味挺重，不光做顏料還會做藥材
不知道神秘力量加持下，能不能看到神恩
（圖：shutterstock）▼
“木乃伊棕”一出世，便迅速征服了歐洲的畫師們。和原來以赭石製作的棕色顏料相比，木乃伊粉做顏料效果相當驚豔。其顏色溫潤通透，色彩表現力豐富飽滿，當然還有千年不腐的傳奇抗腐蝕能力。
今天，所謂木乃伊棕的原料已不再是真的木乃伊，顏色也可以從黃色到紅色再到深紫色，後者通常被稱為“木乃伊紫”，作為油畫顏料和設計顏色被世人所沿用。
用了不少“木乃伊棕”的廚房場景
（圖：wikipedia）▼
不光顏色有嚴格規定，更為具象化的圖形也有講究。蛇作為人類圖形文化的歷史由來已久，最早可以追溯到的蛇形設計，就是來自於古埃及。法老王冠上的蛇標、西底比斯帝王谷墓地盤卷的眼鏡蛇形象，都是保護神的化身。今天，蛇的形象在珠寶設計、繪畫、遊戲當中廣泛出現，文藝作品中的美女蛇、白娘子、漫威超級反派蝰蛇，廣受年輕人歡迎的蛇形手環、戒指、蛇骨鏈，以蛇為名的現代電子裝置，我們在救護車、醫院經常看到的“蛇杖”標誌……數不勝數的蛇形圖案，體現了蛇的形象在世界文化當中的重要地位。
圖坦卡蒙金面具上的蛇可能是出鏡率最高的“埃及蛇”
但是蛇的旁邊其實還有一隻禿鷲
兩者分別代表下埃及與上埃及，法老則是上下埃及的統治者
（圖：wikipedia）▼
有血有肉的拉斐爾色
中世紀時期，基督教會把控了整個歐洲的思想，人物繪畫只能畫基督教題材，而且要“去人性化“。而文藝復興時期，則是一個人性重新戰勝神性的歷史過程，人回到藝術家關注的中心。文藝復興時期的人物畫，不但人體比例遵循黃金分割規律，而且採用透視法營造繪畫的空間感。這些都使得繪畫中的人物與真人越來越接近。
給人以真實感覺的透視畫法、栩栩如生的人物
這些都是典型的中世紀宗教作品所沒有的
（圖：《The Story of Lucretia》波提切利）▼
雖然由於時代限制，這一時期人物畫的物件主要還是以宗教人物為主。但是在文藝復興時期畫家的筆下，耶穌、聖母瑪利亞、天使等等形象都很生動，細節的刻畫讓人物有了溫度，體現了人性的光輝。暖色調被大量使用，因為人文主義的興盛，繪畫愈加明亮、可親、富有生命力。
看上去，甚至有點可愛有點萌
（圖：《猶大之吻》喬託 ）▼
除了聖經裡的人物，普通人也可以進入畫面
即使將其視作19世紀的作品，都不會感到奇怪
（圖：《The Outcast》波提切利）▼
拉斐爾，是文藝復興三傑之一。拉斐爾的聖母白裡透紅，體現了生命的活力。寫實、注重構圖的美感、對人性的重視，直至今天，這些仍是繪畫藝術的主流思想。文藝復興是西方近現代藝術的源頭，其所倡導的莊重、典雅、和諧、人文主義，也體現在我們今天生活當中的方方面面。
比如現在大街上隨處可見的羅馬柱、現代家裝中流行的歐式古典風，現代所有的人體繪畫、攝影，乃至拍照自拍攻略上的構圖、佈景、黃金比例，都是那時留下的財富。
歐洲人對柱子和黃金比例的熱愛
從古代延伸到現代，從室外延伸到室內
其實中國古建築也有自己的黃金比例，只是重視不足
（壹圖網）▼
拉斐爾對色彩的應用，也對文藝復興時期的作品產生了深遠的影響。《西斯廷聖母》中，聖母內穿紅色衣裳，外披藍色外套，這是西方基督教中約定俗成的聖母符號。
另一幅作品中的聖母
天才青年畫家的筆下，盡是赤子般的純真與鮮活
（圖：《草地上的聖母》拉斐爾）▼
聖母的藍色外套，對於很多畫師來說都是很頭疼的事情。不是因為難畫，而是因為在古代，藍色顏料太過於稀有。文藝復興時期，波斯商人從遙遠的東方帶回了青金石，經過細細地研磨，將其變為藍色粉末，再剔除雜質，就生產出了比黃金還昂貴的藍色顏料——群青。由於群青過於昂貴，只有教會和貴族才付的起這種顏料的費用，所以在工業革命之前，藍色可以說是“聖母專用色”。
比貼金更能顯示教堂財富與地位的，是貼藍
（義大利，斯克羅威尼禮拜堂天頂壁畫，喬託）▼
拉斐爾畫的紅衣主教，則運用了最純正、高飽和度的大紅色。這種紅非植物當中可提取，一定要生活在仙人掌上的白色微小昆蟲——胭脂蟲作為原料。大概需要70000只胭脂蟲才能做出1磅胭脂紅顏料。胭脂紅顏色鮮豔，在古代被運用於宮牆、陶瓷上釉、婚嫁禮服等用途，現代胭脂紅作為食品色素可用於果汁、配製酒、糖果、糕點等食品的著色。
除了聖母，最費錢的恐怕就是您了
（圖：《教皇朱利葉斯二世的肖像》拉斐爾）▼
中國色，看敦煌
歐洲文藝復興美術用明亮色系展示對生活的熱愛，在中國，敦煌莫高窟出土的壁畫、絹麻本繪畫，也有著異曲同工之妙。
對於裝飾色彩的運用，是敦煌壁畫自身獨特風格的重要標誌。經過概括、想象、誇張等藝術加工後的色彩搭配，讓不同性質的色彩在對比、襯托之下，又能達成和諧統一，具有極高的視覺張力和感染力。
真，美輪美奐（圖：wikipedia）▼
這麼多色彩的運用，對於畫師來說，顏料是基礎工具。但是在生產力相對豐富的古代中國，這些問題都有自己的最優解。來自礦物的硃砂、赭石、青金石，這些礦物顏料可以千年不變色；來自植物的藤黃、花青，會隨著時間的流逝而發生變化；來自動物的貝殼粉、胭脂紅等則特點不一。這些顏料的存在，與藝術家們的巧奪天工，共同創造出了不朽的敦煌繪畫。
與後世的文人畫相比，敦煌繪畫線條十分粗獷，不及後人技巧純熟，但是構圖天馬行空、色彩美輪美奐，尤其是隋唐時代的繪畫，色彩的運用尤其有特色，比如佛、菩薩的光背，交替使用紅、白、藍、橙等多種顏色，營造五光十色的效果。瓔珞往往用貼金箔來表現，使畫面顯得富麗堂皇。
真，揮灑肆意（圖：wikipedia）▼
這種色彩明亮、飽和度高、元素密集、對比強烈的藝術特點，既在廟堂之高，亦在江湖之遠，大到莫高窟、紫禁城，小到刺繡、剪紙、風箏、年畫，皆有體現。
真，至高無上（圖：壹圖網）▼
中國風美術具有強大的生命力，近年來被廣泛應用於流行文化當中。故宮系周邊的紅金底色、國潮服裝的藝術圖案、現在流行的花嫁等等，都是這類風格的產物。
現如今，國潮配色越來越受到年輕人的推崇。這也是時代發展的必然，人們對於藝術的欣賞不再流於表面，而更加註重內涵。我們的傳統文化在這個時代，更像是一座取之不盡用之不竭的寶庫。那些色彩意象，我們可以自然而然地聯想出天青釉、青花瓷、徽派建築等等，這正是中國傳統美術生生不息的原因之一。
古埃及色彩深遠的象徵意義、拉斐爾色彩的人性光輝、敦煌色彩的金碧輝煌……這些古人繪就的色彩藝術，並不僅僅是在歷史文化殿堂裝裱起來的老古董。而是在千百年傳承當中歷久彌新，活躍在我們生活當中。
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